Alicia en el país de las maravillas: la eternidad de una pregunta

Alicia en el país de las maravillas vuelve a demostrar que una obra puede atravesar siglos cuando conserva intacta su capacidad de preguntar. En la nueva puesta del Ballet del Teatro Colón, dirigida por Julio Bocca, la protagonista abandona la Inglaterra victoriana, atraviesa una escenografía de transformaciones vertiginosas y parece desembarcar en una Buenos Aires contemporánea. El viaje no depende únicamente de la espectacularidad teatral: nace de una curiosidad que todavía reconoce cualquier espectador que alguna vez decidió apartarse del camino previsto para averiguar qué había un poco más allá.

Alicia en el país de las maravillas no permanece viva por una cuestión de nostalgia. La obra de Lewis Carroll continúa encontrando lectores, espectadores y nuevas formas escénicas porque convierte la extrañeza en una herramienta para mirar el mundo. Su protagonista no recibe una misión heroica ni persigue una recompensa evidente: sigue a un conejo vestido, cae por una madriguera y acepta ingresar en un territorio donde las reglas conocidas dejan de funcionar.

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Esa disposición a desviarse organiza la versión que el Ballet del Teatro Colón presenta bajo la dirección de Julio Bocca. La puesta no se limita a ilustrar el argumento conocido. Busca reconstruir la sensación de asombro que aparece cuando una experiencia artística logra suspender, aunque sea durante un par de horas, la lógica cotidiana. El público sabe que una persona no cambia de tamaño y que un animal vestido no suele hablar. Sin embargo, acepta el pacto escénico y permite que esas imposibilidades tengan una verdad propia.

Alicia en el país de las maravillas como máquina de curiosidad

La curiosidad es el movimiento inicial de Alicia y también el centro secreto de su permanencia cultural. La niña no entra en la madriguera porque tenga certezas, sino porque algo la distrae de lo que estaba haciendo. Ese gesto, aparentemente pequeño, contiene una idea poderosa: buena parte de los descubrimientos humanos comienza cuando alguien interrumpe una rutina para seguir una pregunta.

En la vida adulta, esa interrupción suele presentarse como una pérdida de tiempo. Las obligaciones, la productividad y la necesidad de avanzar hacia objetivos concretos dejan poco espacio para detenerse ante lo insólito. Seguir a un conejo que corre con prisa puede parecer una decisión absurda cuando se espera que cada minuto tenga una utilidad inmediata. Carroll construye su universo desde el punto exacto en que esa lógica se quiebra.

La obra también recuerda que preguntar no equivale necesariamente a encontrar una respuesta. En el País de las Maravillas, las conversaciones se desplazan, las palabras cambian de sentido y las autoridades actúan de manera arbitraria. La Reina de Corazones ordena castigos desmedidos, el Sombrerero transforma una merienda en un laberinto verbal y el Gato de Cheshire aparece y desaparece sin someterse a una explicación estable. El absurdo no es un adorno: revela la fragilidad de muchas reglas que, fuera del escenario, aceptamos sin discutir.

Una puesta donde el sueño cambia de escala

La producción del Colón traduce esa lógica inestable mediante una maquinaria escénica de gran complejidad. Hay alrededor de sesenta personas sobre el escenario y una cantidad similar trabajando detrás de escena. Las escenografías móviles, las proyecciones y los cambios de vestuario construyen un mundo que nunca termina de fijarse. Todo puede desplazarse, crecer, reducirse o desaparecer antes de que el espectador termine de comprenderlo.

El cambio de tamaño de Alicia es uno de los desafíos visuales más reconocibles del relato. En lugar de resolverlo como una simple anécdota narrativa, la puesta lo convierte en una experiencia corporal. El cuerpo de la protagonista queda sometido a una escala que no controla, y esa desproporción vuelve visible una sensación habitual de la infancia: la de habitar un mundo diseñado por otros, demasiado grande, lleno de reglas incomprensibles y adultos que parecen cambiar de criterio a cada instante.

La caída por la madriguera funciona, a su vez, como una transición entre dos sistemas de percepción. No se trata solamente de pasar de una habitación a un territorio fantástico. Alicia abandona una forma ordenada de entender las cosas y entra en una dimensión donde la contradicción no necesita resolverse. El ballet puede expresar ese desplazamiento con una precisión que el lenguaje verbal no siempre alcanza: el vértigo, la velocidad y la suspensión del movimiento producen una experiencia física del desconcierto.

El Gato de Cheshire y la ilusión de lo incompleto

Entre los recursos más llamativos aparece el Gato de Cheshire, presentado con un guiño al teatro negro. Su cuerpo se muestra fragmentado, desaparece parcialmente y vuelve a componerse frente a los ojos del público. La imagen condensa una de las intuiciones más fértiles de Carroll: aquello que creemos reconocer puede estar hecho de partes móviles, y una identidad puede sostenerse incluso cuando no se presenta completa.

El procedimiento tiene además una dimensión teatral evidente. El espectador ve el artificio, pero no por eso deja de creer en él. La ilusión funciona precisamente porque la puesta permite percibir el mecanismo sin destruir el encanto. En tiempos dominados por imágenes digitales, esa relación entre truco visible y credulidad voluntaria adquiere un valor especial. La escena no intenta ocultar por completo cómo se produce la transformación; invita a disfrutar del instante en que el dispositivo se vuelve imaginación.

Julio Bocca y la traducción corporal del absurdo

La dirección de Julio Bocca ubica al ballet en un territorio menos solemne y más permeable a otros lenguajes. La presencia del tap en el solo del Sombrerero Loco, que se quita las zapatillas de media punta, rompe la expectativa de una única gramática coreográfica. El personaje no abandona la danza: la expande, incorpora otra textura rítmica y convierte su excentricidad en una decisión formal.

Ese cruce resulta coherente con el universo de Carroll, donde ninguna categoría permanece completamente estable. Lo elegante puede volverse ridículo; lo infantil puede contener una observación política; una conversación aparentemente disparatada puede revelar el poder de quien decide qué significa cada palabra. La coreografía se apoya en esa inestabilidad y evita tratar a los personajes como figuras decorativas de un cuento conocido.

La velocidad de los cambios también modifica la percepción del tiempo. En una función de aproximadamente dos horas, el público pasa de una escena a otra con la impresión de estar dentro de un sueño que se reorganiza mientras sucede. El vestuario, la iluminación y las proyecciones no cumplen una función meramente ornamental. Son parte del argumento porque materializan la imposibilidad de que el mundo permanezca quieto.

Del libro victoriano a una plaza de Buenos Aires

La potencia de Alicia aparece con claridad cuando la protagonista abandona la referencia histórica más obvia. En una de las imágenes sugeridas por la puesta, sale de la Inglaterra victoriana y aparece en una plaza cualquiera de Buenos Aires. Lleva auriculares, un celular y un libro bajo el brazo. Alguien le toma una fotografía. La escena dura poco, pero propone una comparación decisiva: Alicia no pertenece exclusivamente a una época, sino a una manera de mirar.

El traslado no necesita convertirla en una heroína contemporánea ni actualizar cada elemento del argumento. Alcanza con mostrar que su curiosidad puede convivir con objetos del presente. El celular, los auriculares y la plaza funcionan como signos de una vida cotidiana reconocible, aunque la protagonista conserve la capacidad de percibir lo extraño allí donde los demás ven una escena ordinaria.

La Buenos Aires de esa imagen no aparece como una postal turística ni como un escenario explicado. Es una ciudad posible, anónima, atravesada por personas que siguen su recorrido mientras una figura fantástica se mezcla con ellas. El efecto nace de la convivencia entre dos planos: el de una ficción que viene del siglo XIX y el de una ciudad actual que no necesita abandonar su normalidad para alojar lo imposible.

En ese cruce también se encuentra una lectura cultural de alcance más amplio. Las historias sobreviven cuando pueden ser trasladadas sin perder su núcleo. Cambian los cuerpos, los espacios, la tecnología y los códigos de representación, pero permanece la pregunta que las sostiene. Alicia puede entrar en una biblioteca, un teatro, una pantalla o una plaza porque el desconcierto no depende de un decorado específico.

Lo que la adultez aprende a dejar de preguntar

Durante la infancia, casi cualquier pregunta parece legítima. ¿Qué ocurriría si se siguiera a un conejo que habla? ¿Por qué una reina podría ordenar una ejecución por una falta insignificante? ¿Qué relación existe entre crecer y dejar de reconocerse? Con el paso del tiempo, muchas de esas preguntas desaparecen, no necesariamente porque hayan sido contestadas, sino porque aprendemos a considerar improductivo formularlas.

La obra de Carroll incomoda esa renuncia. Su mundo no invita a volver literalmente a la infancia, una operación imposible y también innecesaria. Propone recuperar una disposición mental que la vida adulta suele restringir: la posibilidad de aceptar que un problema no está bien planteado, que una autoridad puede equivocarse y que una explicación demasiado rápida quizá oculte una contradicción.

La ciencia, el arte, el periodismo y la investigación comparten esa capacidad de desviación. Un científico observa una anomalía y decide no descartarla; un artista modifica una forma conocida; un periodista sigue un dato que no encaja; un niño insiste con una pregunta que los adultos juzgan obvia. En todos los casos, el conocimiento comienza cuando alguien suspende por un momento el itinerario habitual.

Por eso el Conejo Blanco continúa corriendo incluso después de que el libro termina. No es solo un personaje, sino una imagen de aquello que reclama atención antes de que sepamos por qué. Seguirlo no garantiza una respuesta tranquilizadora. Puede conducir a un territorio confuso, contradictorio y difícil de ordenar. Pero también puede abrir una perspectiva que no estaba disponible mientras todo parecía normal.

La permanencia de una historia en la era de la atención fragmentada

La vigencia de Alicia adquiere un matiz particular en una época marcada por la velocidad de las pantallas y la competencia permanente por la atención. La obra no ofrece una experiencia lineal ni completamente previsible. Exige aceptar interrupciones, cambios de escala y asociaciones que no desembocan en una moraleja única. Esa estructura puede dialogar con el presente porque el público actual conoce, aunque de otra manera, la sensación de saltar entre estímulos y contextos.

La diferencia está en que el ballet transforma la dispersión en una experiencia compartida. El teatro concentra a los espectadores en un mismo espacio y les pide que observen una secuencia de acontecimientos sin controlarla individualmente. No se puede adelantar una escena, modificar el encuadre o consultar una explicación. La atención vuelve a ser una actividad colectiva y el asombro recupera una dimensión física.

El espectáculo también plantea una relación productiva entre tecnología y tradición. Las proyecciones y los cambios veloces de escenografía no reemplazan el cuerpo de los bailarines, sino que amplían su capacidad de construir mundos. La tecnología escénica vale cuando intensifica una idea dramática: en este caso, la inestabilidad de un universo donde todo puede transformarse.

Cómo la curiosidad de Alicia puede ampliar la visibilidad cultural

El interés sostenido por una obra como Alicia en el país de las maravillas también tiene consecuencias para la visibilidad orgánica de instituciones culturales, teatros y proyectos artísticos. Una producción no se vuelve relevante en internet únicamente por anunciar funciones. Puede construir una presencia más sólida cuando desarrolla los temas que la obra activa: literatura, ballet, adaptación, imaginación, patrimonio teatral y relación entre clásicos y presente.

Para el Teatro Colón, una puesta de estas características puede atraer búsquedas de públicos diversos: personas interesadas en el ballet, familias que conocen el libro, lectores que buscan nuevas interpretaciones de Lewis Carroll y espectadores que desean entender cómo se transforma una narración literaria en una experiencia escénica. Esa variedad exige contenidos claros, páginas bien organizadas y descripciones que respondan a preguntas concretas sin reducir la propuesta a una ficha técnica.

La visibilidad también depende de conectar las distintas capas de la obra. Una nota sobre Julio Bocca puede enlazar naturalmente con información sobre la historia del ballet argentino; una página sobre la puesta puede relacionarse con antecedentes de Alicia en el teatro y la literatura; una reseña puede explicar el uso de proyecciones, tap y teatro negro. Ese entramado ayuda a que los buscadores comprendan el tema y, al mismo tiempo, ofrece al lector un recorrido cultural más rico.

La referencia original de esta reflexión fue publicada por Clarín. Más allá de la cobertura puntual, el caso muestra que la conversación digital sobre una obra escénica puede prolongarse cuando se vincula con preguntas de alcance universal y no solo con la fecha de una función.

Una historia dura cuando no clausura del todo su sentido. Alicia sigue caminando entre conejos, reinas, gatos y ciudades contemporáneas porque cada generación encuentra en ella una inquietud diferente. Quizá la forma más concreta de acercarse a la eternidad no consista en permanecer idéntico, sino en dejar una pregunta lo bastante viva como para que otros quieran seguirla.